记得四年前在美术学院摄影工作室读书的时候，数码相机刚刚成为我们的“威胁”。很显然，如果数码影像成立的话，我们花了很大力气学习的“感光测定”等课程就没有啥“决定性”的意义了。所以，当时同学经常对胶片与数码的性能高低展开激烈争论。先生们也“无意识”的分成“两派”，黄雅老师基本持“否定态度”，并至今以坚持“卤化银”创作，缪晓春老师没有明确的表态但开始大画幅（胶片扫描）后的数码接片。

昨天去看了美术学院缪晓春老师的展览，跟先生谈及此事，均感叹“中国经济发展”的速度太快，仅仅3年后的今天，先生此次展出的“相片”已经不再来自于相机镜头了，这套以“虚拟最后的审判”为主的作品主要以数码3D建模手段在电脑里完成的“虚拟影像”。数码的优势再没有必要怀疑了。当然，我坚持的认为“胶片”的独特艺术感觉是与数码影像不同的（本人在影像创作这一方面至今还是胶片的“死党”）。

任何一种艺术创作手段或方式方法如果以“科技”为敌都是愚蠢的，至少是不明智的。唯独摄影艺术与科技发展的关系显得比其他姊妹艺术更为紧密。

摄影最根本的职能是“影像记录”，说白了它做为“陈堂证供”的真实性和机械性很难改变的。艺术创作最讲究的是“个性”的自由和来自生活经验积累而成的所谓“灵感”，或者说是对生活的理解阐述。所以当“照相”变成“艺术”的时候就显得勉为其难了。在“眼见为实”的基础上，卡迪尔·布勒松开创了“决定”性瞬间的创作思路，开始了“人文”摄影的第一页，并影响至今。卡帕的“实战”经验同时开辟了“新闻摄影”的第一战场。尤金·史密斯将单幅的照片配以文字说明在杂志上发表传播应该是“专题摄影”的开始。无须怀疑的是安塞尔·亚当斯的“区域曝光”使“风光摄影”成为“中国摄影艺术”的主流方式。以上是一些摄影学方面的常识问题，无法回避并不严谨的说明带过。

要是说“艺术摄影”的真正开山鼻祖我认为当该是“韦斯顿”。因为在同时代的大师里，最“个性”最“主观”的发现和视觉表现应该是韦斯顿的作品最为典型。譬如，一个普通的“青椒”，韦大师硬是发现了其与女人体相似的视觉印象，我认知为视觉表现中的“间接联想”。再后来就产生了非彼即此的“观念摄影”。简单的讲，我认为“观念摄影”就是基于摄影师人生经验和艺术修养，反映摄影师“个人理念”的“摆拍”！从此开始，摄影已经不再是简单的“影像记录”而是同绘画一样的“创作手段”了。

今天，我们又可以“简单粗暴”的分类为“装置摄影”“行为摄影”“数码影像”“影视剧照”等……虽然它们的承载体依然是“相纸”但与摄影术的基本表现语言相去甚远，更至于毫无关系。